lunes, 29 de marzo de 2010

Maestros de la Animación: Ub Iwerks, desde 1930 hasta 1971.

* Para quienes quieran conocer la carrera de Ub Iwerks antes de 1929, como este conoció a Walt Disney, y como ambos formaron una sociedad, ya existe un artículo en este blog titulado “Walt Disney y Ub Iwerks antes de 1929”.

Los primeros dibujos animados de la factoría Disney fueron distribuidos por un hombre llamado Pat Powers. Fue Powers quien ayudó en gran medida a que la empresa comandada por los hermanos Disney y Ub Iwerks lograra una cierta estabilidad económica cuando le vendió el sistema Cinephone a Disney (el cual era un método que permitía filmar cintas sonoras), gracias a lo cual el corto “Steamboat Willie” (1928) logró ser el primer dibujo animado con sonido sincronizado. En aquellos tiempos, Walt Disney sabía que Iwerks era el verdadero talento de su estudio, razón por la cual él recibía un sueldo mayor al que recibía el mismo Disney. Sin embargo, sería Walt quien eventualmente se volvería rico y famoso. Cuando Iwerks y Carl Stalling produjeron el corto “The Skeleton Dance” (1929), Disney no se mostró demasiado entusiasmado con la idea. Fue ahí cuando comenzó a deteriorarse la relación entre ambos, ya que Iwerks comenzó a sentir que Disney hacía todo lo posible por mantenerlo entre las sombras para así quedarse con todo el crédito de las obras del estudio. Pat Powers consciente de lo que estaba sucediendo, en 1930 le ofreció a Iwerks su propio estudio y el doble del salario que estaba recibiendo en aquel entonces. Ub, que se había mantenido leal a Disney durante todo el incidente con Charles Mintz, esta vez decidió dejar a su viejo amigo para formar los Ub Iwerks Studios, bajo contrato con la productora de Powers, la Celebrity Pictures. Disney se sintió traicionado, por lo comenzó a borrar todas los contribuciones que Iwerks había realizado para los Estudios Disney.

Dos años antes, cuando Ub y Walt estaban intentando buscar un reemplazante para el personaje de Oswald, Iwerks había diseñado una rana antes de crear a Mickey Mouse. Mientras desarrollaba sus borradores, Powers y Iwerks tenían la esperanza de que La Rana Flip se convirtiera en la nueva estrella del mundo de la animación. Sin embargo, el primer corto de Flip titulado “Fiddlesticks” (1930), resultó ser bastante mediocre. Si bien está increíblemente bien animado, era demasiado plano como para llamar la atención. Curiosamente, Flip quien aparece tocando un piano, es acompañado por un ratón que toca un violín, el cual se parece bastante a Mickey (lo que probablemente enfadó bastante a Disney, que era precisamente el objetivo de Iwerks). El corto guarda bastantes semejanzas con el corto protagonizado por Mickey titulado “Fiddlin´About” (1930), por lo que uno no podría saber a ciencia cierta quien lo robó la idea a quien. Sin embargo, lo que si resulta ser interesante es que “Fiddlesticks” es el primer dibujo animado a color, y el ratón que aparece está usando pantalones rojos. Mickey Mouse no utilizaría pantalones rojos hasta su primer corto a color titulado, “The Band Concert” (1935), el cual sería estrenado cinco años después.


Ub Iwerks se las había arreglado para vencer a Disney en el ámbito de la utilización del color en el campo de la animación. Él sabía que Walt había firmado un contrato exclusivo por dos años con Technicolor, lo que obviamente le otorgaba una ventaja comercial. La paleta de colores que utilizaba Iwerks era limitada, pero de todas formas era funcional y agradable a la vista. Sin embargo, cuando Powers intentó vender el primer corto de Flip a la MGM, estos se quejaron del alto costo del film. El segundo corto de Flip, “Puddle Pranks” (1930), fue igual de mediocre que el primero, y además había sido realizado en blanco y negro debido al alto costo que significaba filmarlo a color. Fue entonces cuando Powers sintió que Flip no estaba dando los resultados deseados, y le exigió a Iwerks que rediseñara al personaje para que este se viera más humano. Tras algunos cambios, Flip terminó pareciéndose bastante a Mickey Mouse. Cuando se estrenó su tercer corto, “The Village Barber” (1930), Flip se veía bastante más humano, lo que encantó a los ejecutivos de la MGM quienes compraron la serie.

Gracias a esto, Iwerks pudo contratar a un buen número de talentosos animadores. Entre ellos se encontraban Bugs Hardaway, quien posteriormente se encargaría de las historias de los cortos animados de la Warner; y Grim Natwick (el diseñador de Betty Boop), quien había trabajado en los Fleischer Studios. Natwick era uno de los animadores más respetados de la industria, al punto que Roy Disney había intentado contratarlo para reemplazar a Iwerks. Al estudio de Iwerks además llegaría Carl Stalling, quien había sido el responsable de la serie “Silly Symphonies” de la Disney, y que había dejado los Van Bueren Studios para reunirse con su viejo amigo. Entre otros de los talentos que trabajaron en los estudios de Iwerks se encontraban Frank Tashlin, Steve Bosustow (quien más tarde fundaría los estudios UPA), el ingeniero de sonido Glen Glenn, los futuros guionistas de la Warner, Cal Howard y Earl Duvall; y los futuros guionistas de la Disney, Ted Sears y Otto Englander. Como dato curioso, Chuck Jones tendría su primer trabajo en el mundo de la animación al interior del estudio de Iwerks, lavando las hojas de celuloide (lugar del cual más tarde sería despedido).


Iwerks era un hombre al que le gustaba realizar innovaciones técnicas, y la MGM se preocupó de darle una buena cantidad de dinero para que este diera rienda suelta a su imaginación. Tras la Disney, la MGM fue el estudio que más dinero gastó en el negocio de la animación en aquella época. Lo que logró que las obras de Iwerks se distinguieran del resto de los dibujos animados, fueron sus toques de humor adulto y su gran calidad técnica. Por ejemplo, en el corto de Flip titulado “Room Runners” (1932), se incluye algo de desnudez, mientras que el corto “The Office Boy” (1932), básicamente se centra en el número de veces que el trasero de una secretaría puede ser utilizado como elemento humorístico. En “Chinaman´s Chance” (1932), Flip se droga con opio al mismo tiempo que la película es filmada utilizando un efecto que pretende dar a entender que Flip está totalmente drogado. Pese a que los cortos eran inteligentes y tenían un estilo bastante llamativo, los espectadores no mostraban demasiado interés por Flip. Pese a que la partida de Iwerks había afectado directamente la calidad de los cortos de la Disney, para fines de 1930 el estudio se había recuperado amenazando el reinado temporal de Iwerks. Pese a que la serie de la Rana Flip estaba obteniendo ganancias, estas eran tan insignificantes que el estudio decidió cancelar la serie. La última aparición de Flip sería en el corto “Soda Squirt” (1933).

Iwerks se percató que debía centrarse más en la historia de sus cortos, que en los gags que estos presentaban. Fue entonces cuando presentó a un nuevo personaje: Willie Whopper. Grim Natwick diseñó a Willie, un niño con una imaginación bastante activa. Su primer corto, “The Air Race” (1933), sería el mejor de la serie, y presentaba la predilección de Iwerks por las “bromas mecánicas” y el humor adulto. A diferencia de Disney, Iwerks no creía en la autocensura. Sin embargo, “The Air Race” sería estrenada recién en 1936, bajo el título “Spite Flight”. A Powers no le importó demasiado el personaje, y sentía que debía ser gordo para causar simpatía. Para cuando se estrenó el tercer corto, “Stratos-Fear” (1933), Willie era gordo. Iwerks no estaba demasiado satisfecho con la serie de Willie Whopper, por lo que decidió comenzar con una nueva serie llamada “ComiColor Cartoons”. Esta serie no tendría un personaje protagónico, y sería meramente experimental. Para filmar los cortos de la serie, Iwerks firmaría un contrato con Cinecolor, empresa que le permitía filmar los cortos con colores más vibrantes. El proceso de Cinecolor también fue utilizado en la serie de Willie Whopper, comenzando con la bizarra “Hell´s Fire” (1934).

“The ComiColor Classics” fueron los mejores dibujos animados realizados por los estudios de Iwerks. La serie comenzó con el corto dirigido por Grim Natwick, “Jack and the Beanstalk” (1933), al cual le seguiría “The Little Red Hen” (1933). Pese a la tendencia de Iwerks y sus animadores de incluir estereotipos raciales, gran parte de los cortos de la serie eran realmente impresionantes. Entre algunos de los mejores cortos de la serie se encuentran: “The Brementown Musicians” (1935), “The Brave Tin Soldier” (1934), “Puss in Boots” (1934), “Jack Frost” (1935), y “Balloon Land” (1935). Cuando realizó “The Headless Horseman” (1935), Iwerks desarrolló una cámara multiplano para darle más profundidad a los dibujos animados. Iwerks siempre estuvo más preocupado de las innovaciones técnicas que de las historias o la animación en sí, por lo que generalmente era Natwick quien se preocupaba de animación de los cortos del estudio. Para mediados de la década del treinta, la MGM ya no estaba impresionada con el trabajo de Iwerks, por lo que decidieron romper todas las relaciones comerciales con el animador. Ub se vio forzado a cerrar el estudio, pero junto con Grim Natwick y otros animadores formaron la Cartoon Films Limited.

Natwick dirigió algunos films como por ejemplo “See How They Won” (1936), antes de ser contratado por la Disney, mientras que Iwerks fue subcontratado por Leon Schlesinger para dirigir dos cortos de la Warner: “Porky and Gabby” (1937) y “Porky´s Super Service” (1937). Iwerks aparentemente despreciaba a Porky como personaje, por lo que Chuck Jones y Bob Clampett tuvieron que terminar ambos cortos. Iwerks seguiría obteniendo trabajos esporádicos, y en 1940 incluso llegó a trabajar para Charles Mintz en la Columbia, en cuatro episodios de la serie “Color Rhapsodies”. En Inglaterra, Iwerks dirigiría tres cortos protagonizados por Gran´Pop Monkey, personaje creado por el ilustrador Lawson Wood. Más tarde aceptaría un puesto como profesor en la Ray Patin Animation Training School (cuyo fundador había trabajado para Iwerks como animador). Muchos de los animadores contemporáneos a Iwerks pensaban que él se estaba perdiendo como profesor; Hugh Harman llamó a Roy Disney para preguntarle si estaría interesado en tener a Ub de vuelta en el estudio. Al poco tiempo después, Iwerks sería contratado para encabezar el departamento técnico del estudio. Él estaría a cargo de los efectos especiales de las animaciones, de la cámara multiplano que la Disney había desarrollado en 1937, y de combinar agua real con animación en la tormenta que se ve en la cinta “Bambi” (1942).

Durante la Segunda Guerra Mundial, cuando Disney estaba realizando dibujos animados para el gobierno, Iwerks dirigiría cintas de entrenamiento como por ejemplo “Stop That Tank: The BOYS Anti-Tank Rifle” (1942), y “Victory Through Air Power” (1942). Esta última no solo aprovecharía el extenso conocimiento que Iwerks tenía acerca de los variados modelos de aeronave, sino que supuestamente también influiría en la decisión del presidente Roosevelt de contar con apoyo aéreo durante el Día-D. Iwerks amaba realizar tareas técnicas e inventar nuevas tecnologías aplicables a la animación. Para el corto “Saludos Amigos” (1944), Iwerks refinó el método que permitía combinar personajes animados con acción real. Como encargado del Departamento de Impresión Óptica de la Disney, entre otras cosas creó una nueva impresora óptica que sería utilizada en la realización de “The Three Caballeros” (1945).

Además de realizar los efectos de las cintas “Melody Time” (1948) y “Cinderella” (1950), Iwerks realizó las siguientes acciones al interior de la Disney: creó los efectos ganadores del Oscar de la cinta “20.000 Leagues Under the Sea” (1954); creó un proceso que permitía filmar en 360 grados el cual fue llamado Circarama; ayudó a desarrollar un sistema de 3-D utilizado en dos cortos del estudio; creó un proceso que utilizaba vapor de sodio el cual permitió que Hayley Mills apareciera como gemelas en la cinta “The Parent Trap” (1961); desarrolló un proceso que permitía que los personajes animados se trasladaran del fondo al primer plano, el cual fue ampliamente utilizado en “Mary Poppins” (1965); y trabajó en los efectos especiales de la cinta de Alfred Hitchcock, “The Birds” (1963), a petición del mismo Hitchcock, entre otras cosas. Iwerks y Walt Disney volvieron a ser amigos, y desarrollaron una real admiración y respeto el uno por el otro. Ub incluso reconoció que Mickey no hubiese tenido éxito sin la habilidad narrativa y comercial de Disney. Cuando Walt Disney murió de cáncer al pulmón un poco antes de la Navidad de 1966, Iwerks declararía: “Este es el fin de una era”. Ub nunca se retiró, pero disminuyó gradualmente su cantidad de trabajo hasta el día que falleció de un ataque cardiaco en 1971, a los 70 años de edad. En 1989, la Walt Disney Company reconoció oficialmente que Ub Iwerks había sido el verdadero diseñador de Mickey Mouse, y le otorgó el primer Disney Legends Award. Hoy en día pese a que su trabajo fuera de la Disney por lo general es considerado como una obra menor en su carrera, su legado sigue vivo, razón por la cual es considerado como uno de los animadores más importantes de toda la historia de la industria de la animación.








por Fantomas.

sábado, 20 de marzo de 2010

Sam Peckinpah: Alcohol, violencia y polémica.

David Samuel “Sam” Peckinpah, nació el 21 de febrero de 1925 en Fresno, California. Durante su adolescencia faltaría mucho a clases debido a que prefería participar en algunas de las actividades que se practicaban en el rancho Denver Church, las que incluían aprender a disparar y a marcar ganado. También participaría en el equipo de fútbol americano de su colegio, antes de que sus padres terminaran enrolándolo en la Academia Militar San Rafael debido a sus frecuentes problemas disciplinarios. En 1943, Peckinpah se unió a los United States Marine Corps, y luego de dos años fue enviado a China con la tarea de desarmar a los soldados japoneses y repatriarlos tras el término de la Segunda Guerra Mundial. Aunque no participó directamente en combates armados, Peckinpah declaró haber sido testigo de numerosos actos de tortura y asesinato de civiles. Durante sus últimas semanas como Marine, él pidió ser dado de baja en Pekín para poder contraer matrimonio con una joven local. Lamentablemente, la chica rechazó su proposición. Hay algunas fuentes que señalan que esta experiencia afectó gravemente al futuro director, y que eventualmente terminó influenciando las descripciones de violencia en sus cintas.

Luego de retirarse del ejército, Peckinpah regresó a Los Ángeles donde ingresó a la Fresno State College, donde estudió historia. Mientras era un estudiante, conoció y contrajo matrimonio con su primera esposa, Marie Selland, en 1947. Fue ella quien introdujo a Peckinpah al teatro, donde no tardaría en mostrar su interés por la dirección. Durante su último año como estudiante, él adaptó y dirigió una versión de una hora de duración de la obra de Tennessee Williams, “The Glass Menagerie”. Luego de graduarse en 1948, Peckinpah comenzó a estudiar drama en la University of Southern California. Una vez que terminó sus estudios, él conseguiría un trabajo como utilero en la KLAC-TV, con la convicción de que la experiencia en televisión eventualmente lo llevaría a trabajar en el cine. En 1954, Peckinpah fue contratado como director de diálogos de la cinta “Riot in Cell Block 11” (1954), de Don Siegel. Más tarde Peckinpah trabajaría como asistente del director en cuatro cintas más entre las cuales se incluyen; “Private Hell 36” (1954), “An Annapolis Story” (1955), “Invasion of the Body Snatchers” (1956), y “Crime in the Streets” (1956). Pese a que Peckinpah desató una controversia que aludía a su participación en “Invasion of the Body Snatchers”, donde según él, había realizado una extensa reescritura del guión, su trabajo con Siegel le permitió construir una carrera como guionista y como potencial director.


Sería el mismo Siegel quien le recomendaría a Peckinpah que se dedicara a la confección de guiones de distintos westerns, en su mayoría televisivos, durante la segunda mitad de los cincuenta. Sería gracias a sus guiones que en 1958, conseguiría el puesto de director en uno de los episodios de la serie “Broken Arrow” (1956-60), y posteriormente en varios episodios de la serie “Klondike” (1960-61). Durante este periodo, Peckinpah sería el responsable del nacimiento de dos series de televisión; “The Rifleman” (1958-63), y “The Westerner” (1960). Desde 1959 a 1960, Peckinpah oficiaría como productor de “The Westerner”, además de escribir la mayoría de los guiones y dirigir cinco de los trece episodios que conformaron la serie. Luego de la cancelación del show, la estrella de este, Brian Keith, fue contratado para protagonizar el western “The Deadly Companions” (1961). Él no tardaría en sugerir a Peckinpah como director de la cinta, idea que al productor Charles B. Fitzsimons le pareció adecuada. Lamentablemente para el director, el productor no le permitió reescribir el guión ni editar el film, por lo que Peckinpah juró que nunca más dirigiría una cinta en la cual no tuviera el completo control del guión.

Para su segunda cinta, “Ride the High Country” (1962), Peckinpah realizó una minuciosa reescritura del guión, incluyendo algunas referencias de su infancia y de sus experiencias al interior del rancho Denver Church. Aunque la cinta no obtuvo mucho reconocimiento en los Estados Unidos, en Europa se convirtió en una producción exitosa, recibiendo diversos elogios de una buena cantidad de críticos internacionales que alababan esta suerte de renovación del género del western llevada a cabo por el director. El siguiente film de Peckinpah, “Major Dundee” (1965), fue la primera de las numerosas experiencias desafortunadas que vivió el director durante su incursión en los grandes estudios. El primer film serie A del director contó con un destacado elenco, entre los que se encontraban Charlton Heston, Richard Harris, y James Coburn, entre otros. Lamentablemente, las filmaciones comenzaron cuando el guión aún no estaba terminado, por lo que Peckinpah tuvo que enfrentar una serie de problemas. Intimidado por la importancia del proyecto, el director comenzó a emborracharse todos los días tras la jornada laboral. Él además despidió a lo menos a quince miembros del equipo de filmación, lo que obviamente no facilitó las cosas. Incluso llegó un punto en el que el calmado Heston, enfrentó enfurecido al director pidiéndole un mejor trato con el resto del elenco. La película terminó siendo un completo desastre, lo que terminó dañando la reputación del director.


Posteriormente Peckinpah fue contratado para dirigir “The Cincinnati Kid” (1965), un drama acerca de un prodigio del póker que se ve enfrentado a un jugador veterano en la ciudad de Nueva Orleans. Antes de que comenzaran las filmaciones, el productor Martin Ransohoff comenzó a recibir llamadas que hacían alusión a los problemas que tuvo el director durante la producción de “Major Dundee”. A esto se sumó la insistencia de Peckinpah por rodar la cinta en blanco y negro, con la esperanza de transformar el guión en algo completamente diferente. Luego de cuatro días de filmación, Ransohoff terminó despidiendo al director, el cual se vio desterrado de la industria durante un par de años. Afortunadamente para él, en 1966 el productor Daniel Melnick necesitaba a un guionista y a un director para adaptar la novela corta “Noon Wine”, de la escritora Katherine Anne Porter, al medio televisivo. Melnick, quien era un fanático del trabajo del Peckinpah, contrató al director pese a su fama de problemático. La adaptación de una hora de duración, terminaría siendo exhibida en el marco de la serie “ABC Stage 67”, en 1966. Dicho trabajo obtendría una nominación de la Writers Guild a la mejor adaptación televisiva y otra al mejor director. Hasta el día de hoy, “Noon Wine” es considerado como uno de los trabajos más personales del director.

El sorprendente éxito de “Noon Wine”, sentó las bases de lo que sería uno de los regresos más explosivos de la historia del cine. En 1967, los productores de la Warner Bros-Seven Arts, Kenneth Hyman y Phil Feldman, estaban interesados en contratar a Peckinpah para reescribir y dirigir la cinta de aventuras, “The Diamond Story”. Roy Sickner y Walon Green habían escrito un guión alternativo de esta historia llamado, “The Wild Bunch”. Este western sería seleccionado por los productores de la Warner para intentar vencer a la producción de la Fox, “Butch Cassidy and the Sundace Kid” (1969). Para el otoño de 1967, Peckinpah había reescrito el guión que se terminaría convirtiendo en “The Wild Bunch” (1969). Filmada en México, este épico trabajo del director retrató sus ansias por volver al cine, la violencia vista durante la guerra, y una realidad pocas veces vista en el género del western. Aunque muchos criticaron la excesiva violencia de la cinta, no fueron pocos los críticos que alabaron la originalidad y el rápido estilo de edición utilizado por Peckinpah en este film.

La siguiente cinta de Peckinpah sería el western “The Ballad of Cable Hogue” (1970). Utilizando prácticamente el mismo elenco, el film cubre tres años de la vida de un pequeño empresario llamado Cable Hogue (Jason Robards), el cual decide construir una fortuna gracias al agua que ha encontrado en el desierto. Filmada en el desierto de Nevada, la película tuvo una serie de problemas debido al mal clima. Peckinpah retomó su alcoholismo y terminó despidiendo a 36 miembros del equipo de filmación. El caótico proceso de filmación terminó de manera tardía, y se utilizó un presupuesto mayor al que se tenía planeado en un inicio. Los pésimos resultados de taquilla y los problemas ya mencionados, terminaron quebrando la unión comercial entre Peckinpah y la Warner-Seven Arts, y el director nuevamente vio como su carrera se venía abajo. Su controversia con la Warner limitó de inmediato las ofertas laborales del director. Peckinpah se vio forzado a emigrar a Inglaterra para dirigir “Straw Dogs” (1971), una de sus cintas más oscuras y perturbadoras.

Producida por Daniel Melnick, quien había trabajado anteriormente con el director en “Noon Wine”, la cinta se basó en la novela “The Siege at Trencher´s Farm”, del escritor Gordon Williams. Peckinpah, fiel a sus principios, reescribió por completo el guión de David Zelag Goodman, inspirado por los libros “African Genesis” y “The Territorial Imperative”, de Robert Ardrey, los cuales postulaban que el hombre era esencialmente un carnívoro que instintivamente batallaba por el control de su territorio. “Straw Dogs” dividió a la crítica, donde un grupo alababa la abierta confrontación del salvajismo humano, mientras que otros atacaban la misoginia y la celebración fascista de la violencia presente en el film. Pese a que su alcoholismo iba en ascenso y a su controversial reputación, Peckinpah logró una obtener una buena cantidad de trabajos durante esta etapa de su carrera. En mayo de 1971, retornó a los Estados Unidos para comenzar a trabajar en “Junior Bonner” (1972). El guión de Jeb Rosenbrook, que retrataba los constantes cambios en la sociedad y en los lazos familiares, llamó la atención del director. En parte, Peckinpah aceptó este proyecto con el objetivo de evitar ser encasillado como un director violento. Si bien “Junior Bonner” no logró buenos resultados de taquilla, con el tiempo terminó siendo considerado como uno de los trabajos más destacados del director.

Dolido por el fracaso de su trabajo más reciente, Peckinpah se reunió con Steve McQueen quien le presento un guión de Walter Hill titulado, “The Getaway” (1972). Tanto el director como McQueen necesitaban un éxito, por lo que rápidamente comenzaron a trabajar en la cinta en febrero de 1927. El único objetivo de Peckinpah con esta cinta era crear un thriller que lograra que el público apreciara su labor como director. El film, el cual está repleto de explosiones, persecuciones a alta velocidad e intensos tiroteos, se convirtió en el mayor éxito comercial del director recaudando alrededor de 25 millones de dólares. El año 1973 marcaría el principio de la etapa más difícil de la carrera y la vida de Sam Peckinpah. Mientras se encontraba filmando “The Getaway” en El Paso, Texas, el director cruzó la frontera con México y contrajo matrimonio con Joie Gould. Él había conocido a Gould en Inglaterra mientras filmaba “Straw Dogs”, y desde entonces ella se había convertido en su pareja y en parte de su equipo de filmación. La ingesta de alcohol del director se había incrementado de manera dramática durante la realización de “The Geteway”, al punto que él llegó a declarar; “no puedo dirigir cuando estoy sobrio”. Fue en ese momento que comenzó a tener ataques de ira, los cuales terminó desatando contra Gould. Luego de cuatro meses, ella regresó a Inglaterra y preparó los papeles de divorcio. Devastado por su nueva ruptura amorosa, Peckinpah cayó en un patrón autodestructivo marcado por un consumo de alcohol constante, que terminó desestabilizando su ya delicada salud.

Este era el decadente estilo de vida que llevaba el director cuando accedió a filmar “Pat Garrett and Billy the Kid” (1073), para la MGM. Peckinpah estaba convencido que este sería su mejor trabajo dentro del género del western. El guión que se le ofreció al director le daba la oportunidad de explorar algunos temas que llamaban su atención, como por ejemplo el de dos compañeros que se ven obligados a enfrentarse desde los lados opuestos de la ley, manipulados por intereses económicos. Fue por esta razón que el director reescribió el guión, estableciendo que Pat Garrett y Billy the Kid eran amigos, para así ubicarlos en medio de una tragedia épica. Desde un inicio, Peckinpah tuvo problemas con el presidente de la MGM, James Aubrey, conocido por ser el responsable de desmantelar la histórica compañía cinematográfica. Los numerosos problemas que vivió la producción, entre los que se encuentran un brote de influenza que afectó al equipo de filmación, algunos equipos defectuosos, y el alcoholismo de Peckinpah, dieron como resultado que esta fuera la producción más problemática de la carrera del director. Debido a que Peckinpah terminó excediéndose en el presupuesto, Aubrey redujo la cinta de 124 a 106 minutos lo que obviamente convirtió a “Pat Garrett and Billy the Kid” en un film desastroso e incoherente. Recién en 1988, cuando fue lanzada la versión del director, la cinta logró obtener el reconocimiento que se merecía.

Ante los ojos de sus admiradores, “Bring Me the Head of Alfredo García” (1974), es el último de los films notables del director. De hecho, Peckinpah declaró en una ocasión que esta había sido la única cinta que había salido como él quería. Fue él quien se encargó de escribir el guión con la ayuda de Frank Kowalski, Walter Kelley, y Gordon Dawson. El macabro drama que mezclaba acción, tragedia y comedia negra, fue señalado por muchos críticos como una de las peores cintas de todos los tiempos. Sin embargo, con el tiempo esta obra ha alcanzado el estatus de film de culto. Con su carrera cada vez más por el piso, Peckinpah filmó el thriller de espionaje “The Killer Elite” (1975), protagonizado por James Caan y Robert Duvall. Según el director, sería durante la filmación de esta película que comenzaría a consumir cocaína debido a la influencia de Caan y su círculo íntimo. Esto terminó incrementando su paranoia y deterioro su preocupación por los detalles. En esta ocasión, los productores se rehusaron a que Peckinpah reescribiera el guión. Frustrado, él se encerraba por largas horas en su trailer, dejando en mano de sus asistentes la dirección de algunas escenas. Incluso llegó a un punto en que debido a una sobredosis de cocaína, tuvo que ser llevado a un hospital donde le tuvieron que implantar un marcapasos.

Pese a todo, a Peckinpah le ofrecieron la dirección de “King Kong” (1976) y “Superman” (1978). Sorprendentemente, terminó rechazando ambas ofertas privilegiando un proyecto que se sumergía en los horrores de la Segunda Guerra Mundial. “Cross of Iron” (1977), sería filmada en la antigua Yugoslavia, y sería una producción de bajo presupuesto. Con el fin de poder contar con profesionales experimentados en su equipo de filmación, el director gastó cerca de $90.000 dólares de su propio bolsillo. Si bien no continuó abusando de la cocaína, Peckinpah si retornó a sus antiguos hábitos alcohólicos, lo que causó que su dirección fuera confusa y errática. La producción abruptamente quedó sin fondos, por lo que el director se vio obligado a improvisar la secuencia final, la cual fue filmada en un solo día. Pese a todo, “Cross of Iron” resultó ser un éxito en Europa, y es considerado como el último vestigio del talento del director. Con la esperanza de crear una cinta comercial, Peckinpah aceptó participar en “Convoy” (1978).

Sus cercanos no ocultaron el asombro que les provocaba que el director hubiese aceptado participar en un proyecto tan mediocre. De hecho muchos pensaban que su decisión era el resultado de su vuelta al consumo de cocaína y a la ingesta continua de alcohol. Como era de esperarse, Peckinpah se preocupó de reescribir el guión escrito por B.W.L. Norton, y le solicitó a los actores que improvisaran algunas de sus líneas de diálogo. Esta sería otra de las producciones problemáticas del director. Debido a que su estado de salud comenzó a empeorar, la producción contrató a James Coburn para que ocupara el puesto de director de la segunda unidad. Aunque la película se terminó fuera de plazo y utilizó un presupuesto mayor al inicial, esta terminaría siendo la cinta más exitosa a nivel comercial del director, recaudando alrededor de 46 millones de dólares. Sin embargo, este film terminó por sepultar su reputación, por lo que por primera vez en casi una década, cuando Peckinpah terminó la filmación de la cinta, se encontró completamente desempleado. Durante los tres años siguientes, el director vivió una suerte de exilio cinematográfico. Pero durante el verano de 1981, su mentor Don Siegel le dio una oportunidad de regresar a la industria. Mientras filmaba “Jinxed!” (1982), Siegel le pidió a Peckinpah que se hiciera cargo por 12 días de la dirección de la segunda unidad. Peckinpah aceptó de inmediato, y eso eventualmente le terminó abriendo nuevamente las puertas de la industria al problemático director.

Para 1982 la salud de Peckinpah estaba en pésimas condiciones. Los productores Peter S. Davis y William N. Panzer, pensaron que el solo hecho de contar con el director en la cinta “The Osterman Weekend” (1983), le daría a esta un cierto aire de respetabilidad. Aunque Peckinpah aceptó el trabajo, en más de una ocasión declaró que odió el guión basado en la novela del mismo nombre del escritor Robert Ludlum. Para cuando terminaron las filmaciones en enero de 1983, Peckinpah y los productores habían cortado todo tipo de comunicación. De todas formas el director cumplió con los plazos acordados y entrego un film que si bien contiene algunas secuencias de acción efectivas y buenas actuaciones, terminó siendo destrozado por la crítica. El último trabajo de Peckinpah como director lo tomaría solo dos meses antes de su muerte. Él había sido contratado por el productor Martin Lewis para filmar dos videos musicales protagonizados por Julian Lennon; “Valotte” y “Too Late for Goodbyes”. Dichos videos serían alabados por la crítica, y lograrían una nominación en los MTV Video Music Awards de 1985.

Durante gran parte de su vida adulta, Sam Peckinpah tuvo que lidiar con el alcoholismo, y más tarde con su adicción a las drogas. De acuerdo con algunos de sus cercanos, él también sufría una enfermedad mental, posiblemente un trastorno maniaco depresivo y paranoia. Se cree que sus problemas con el alcohol comenzaron durante su estadía en China, lugar donde frecuentemente era visto en las tabernas de Tientsin y Pekín. Luego de divorciarse de Selland, la madre de sus tres primeros hijos en 1960, él contraería matrimonio con la actriz mejicana Begoña Palacios en 1965, con quien tendría un hijo y mantendría una turbulenta relación. Peckinpah sentía una fascinación por las armas y por la violencia, la que finalmente terminó siendo reflejada en gran parte de sus trabajos. Más allá de sus arrebatos y sus problemas personales, Sam Peckinpah era un director al cual le apasionaba su trabajo, al punto que se preocupaba del más pequeño detalle. Sus cintas resultaron ser trabajos rupturistas, que hasta el día de hoy mantienen intacta su capacidad de sorprender e impactar al espectador por partes iguales. Peckinpah falleció el 28 de diciembre de 1984, debido a una falla cardiaca, cuando estaba preparando lo que sería su próximo proyecto, una cinta titulada “The Shotgunners” la cual contaba con un guión original de Stephen King.



por Fantomas.

jueves, 11 de marzo de 2010

Series de Televisión: "S.W.A.T.", los hombres de Harrelson.

En 1968, el inspector del Departamento de Policía de Los Ángeles, Daryl F. Gates, crearía los equipos S.W.A.T. (Special Weapons and Tactics) los cuales tenían por objetivo responder con rapidez y eficacia a situaciones de alto riesgo provocadas por civiles armados. Los integrantes de estos equipos especiales estaban entrenados para enfrentarse a cualquier situación: ellos eran francotiradores expertos, podían operar desde el cielo o bajo el agua, y cuando la situación lo requería, eran capaces de demostrar su habilidad en el combate cuerpo a cuerpo. La proliferación de estos equipos por todos los Estados Unidos durante fines de los sesenta y principios de los setenta, provocó que el productor Aaron Spelling decidiera llevar el concepto a la pantalla chica. Spelling presentaría al protagonista de lo que se convertiría en la serie “S.W.A.T” (1975-76), el Teniente Dan “Hondo” Harrelson (Steve Forrest), en un especial de dos horas de la serie “The Rookies” (1972-76), el cual sería emitido el 17 de febrero de 1975. Una semana después, “S.W.A.T.” debutó en el horario prime de la cadena ABC, con el episodio “The Killing Fields”, en el cual el Teniente Hondo entrevista a una serie de candidatos con los cuales formará un equipo especial para lidiar con los asesinatos de varios oficiales del Departamento de Policía de Los Ángeles.

Entre los integrantes del equipo formado por Hondo se encuentran el oficial Jim Street (Robert Urich), cuyo ex compañero fue uno de los policías asesinados; el Sargento David “Deacon” Kay (Rod Perry), quien estaba a cargo de las comunicaciones del equipo; el oficial Dominic Luca (Mark Shera), un impulsivo francotirador; y el oficial T.J. McCabe (James Coleman), quien estaba a cargo del apoyo táctico. Todos ellos eran veteranos de Vietnam que se habían integrado a la policía de Los Ángeles luego de ser dados de baja del ejército, por lo que estaban acostumbrados a regirse por un protocolo militar. Además, estarían siempre preparados para cualquier eventualidad, y dispondrían de una gama de armamento y de una van especialmente equipada para transportarlos al sitio de los sucesos. “S.W.A.T.” se convirtió en un éxito inmediato, en especial entre el público adolescente, y al finalizar su primera temporada, el show estaría en la lista de las series de televisión más vistas de 1975.


Pese a los buenos resultados de audiencia, la serie comenzó a ser duramente criticada por diversos grupos conservadores que hicieron hincapié en la violencia que esta presentaba, proclamando al show como uno de los programas más violentos que se habían emitido por televisión. Incluso el productor Aaron Spelling declararía algún tiempo después que de las alrededor de cincuentas series que produjo durante su carrera, “S.W.A.T.” era una de las que menos le gustaban debido a su excesiva violencia. Sin embargo, una vez que el show estaba en el aire, era poco lo que podía hacer para cambiar la premisa inicial (la idea detrás de la serie consistía en mostrar como este grupo especial de la policía se preocupaba de los casos más violentos). Como consecuencia de las críticas, los ejecutivos de la ABC estaban divididos entre la creciente controversia que estaba desatando la serie, y los altos niveles de audiencia que esta estaba obteniendo. Incluso el tema central de “S.W.A.T.”, compuesto por Barry DeVorzon, había conseguido el primer puesto en la lista de éxitos compuesta por la revista Billboard.

La gran mayoría de los episodios de la serie seguían una fórmula que consistía en presentar a un determinado villano con rasgos psicopáticos. Rara vez Hondo y sus hombres se encontraban con un criminal promedio impulsado solo por la avaricia. Por ejemplo en “Death Carrier”, la vida amorosa de la modelo Janet Warren (Ronne Troup) se ve amenazada por un desequilibrado francotirador, que en el último año ha asesinado a tres pretendientes de la modelo. A Street se le encomienda la misión de hacerse pasar por el nuevo novio de la modelo, para que de esta forma el asesino salga de su escondite y pueda ser apresado. En “Sole Survivor”, un ex-oficial de libertad condicional (Simon Oakland) decide emular lo hecho por Hondo, y formar su propio equipo de individuos especialmente entrenados (todos ex-convictos) para llevar a cabo un complejo robo. Por otro lado, en “Kill S.W.A.T.” una viuda (Diana Hyland) contrata a sus dos cuñados (Ben Frank y David Nash) para asesinar a los miembros de S.W.A.T., debido a que ella piensa que ellos asesinaron a su marido sin necesidad alguna.

Para cuando “S.W.A.T.” comenzaba con su segunda temporada, la controversia respecto a la violencia que presentaba estaba en su punto más álgido. Por este motivo, los ejecutivos de la ABC trasladaron la transmisión del show de los lunes a los domingos a las 9:00 PM, donde tendría que competir contra dos series ya establecidas: “The Mary Tyler Moore Show” (1970-77) y “The Bob Newhart Show” (1972-78). La cadena probablemente esperaba que el cambio de horario resultara fatal para el show, lo que terminaría con los problemas que este estaba causando. Sin embargo, “S.W.A.T.” lograría mantenerse con vida. Si bien es cierto que los niveles de audiencia habían disminuido, de todas formas seguía siendo visto por un gran número de televidentes. La ABC mantendría la serie hasta el final de la temporada, pero cuando llegó el momento de conformar la parrilla programática de la cadena para la temporada comprendida entre 1976 y 1977, “S.W.A.T.” estaba ausente de la lista. El último episodio de la serie titulado, “Officer Luca, You´re Dead”, fue emitido el 29 de junio de 1976, dando fin a dos temporadas compuestas por 37 episodios.

Steve Forrest, quien era una reconocida estrella del cine y la televisión antes de participar en “S.W.A.T.”, continuó trabajando en ambos medios de manera regular luego de la cancelación de la serie. Robert Urich se convirtió en protagonista de varios proyectos televisivos, siendo los más recordados “Vega$” (1978-81), y “Spencer: For Hire” (1985-88). Mark Shera por otro lado, trabajaría en las últimas cuatro temporadas de la serie de la CBS, “Barnaby Jones” (1973-80). Aaron Spelling sabría sobreponerse al fracaso y a la controversia desatada por su más reciente proyecto, con dos nuevas series que tendrían incluso más éxito que “S.W.A.T”: “Starsky & Hutch” (1975-78) y “Charlie´s Angels” (1976-81). Básicamente la serie era una tosca ilustración de un nuevo grupo organizado de policías, donde se le daba más importancia a la planificación de la captura de un determinado criminal que a la acción misma. Por este motivo, hoy en día la serie resulta algo tediosa y está lejos de causar la misma impresión que causó en su época.

Es cierto que la serie por momentos era políticamente incorrecta, y que los villanos que amenazaban la calma en cada episodio, pese a su representación caricaturesca, suponían una suerte de cruda renovación del género policial televisivo, pero de todas formas “S.W.A.T.” no ha envejecido de la mejor manera. Si bien se renovó el interés por esta serie con el estreno de la adaptación cinematográfica llevada a cabo el 2003 por el director Clark Johnson (la cual dicho sea de paso, deja bastante que desear), de todas formas me cuesta señalar a esta serie como una de las más memorables de los setenta. De todas formas, “S.W.A.T.” tiene algunos elementos que aún siguen siendo recordados (en especial su tema principal), y presenta algunos episodios bastante memorables. Aunque el objetivo de la serie era reestablecer la confianza de la sociedad en las instituciones gubernamentales (en especial luego del caso Watergate y la Guerra de Vietnam), tal vez el mensaje que termina quedándose grabado con más facilidad en la mente del espectador es aquel que señala que incluso la policía necesita ayuda en algunas ocasiones.



por Fantomas.

miércoles, 3 de marzo de 2010

Christopher Lee: Un gran actor inevitablemente ligado al género del horror.

Sir Christopher Frank Caradini Lee, nació en Belgravia, Inglaterra, el 27 de mayo de 1922. Su padre, Geoffrey Trollope Lee, era un teniente de la 60th King´s Royal Rifle Corps y además era uno de los deportistas amateur más respetados de Inglaterra. Su madre por otro lado, era la Condesa Estelle Marie Caradini di Sarzano, y había oficiado de modelo para algunos destacados pintores de la época. Desafortunadamente, Christopher tuvo que lidiar con la separación de sus padres cuando él era muy joven, tras lo cual se fue junto a su madre y su hermana mayor a Suiza. Tras enrolarse en la Miss Fisher Academy, Lee pronto volcó su atención hacia la actuación, participando en la producción escolar de “Rumpelstiltskin”, donde interpretaría al villano. Tras un breve periodo, la familia regresaría a Londres donde Christopher comenzaría a asistir a una escuela privada. Para ese entonces, su madre había contraído matrimonio con Harcourt Rose, un banquero que era el tío del creador de James Bond, Ian Fleming. En 1931, el joven Conde fue enviado a la preparatoria Summer Fields ubicada en Oxford. En el lugar conocería al futuro actor Patrick Macnee, con quien participaría en numerosas obras escolares.

Además de sus habilidades actorales, Lee era un excelente estudiante, lo que lo ayudaría a conseguir una beca en el Wellington College. Al igual que su padre, Christopher era un espléndido deportista, destacándose en deportes como squash, esgrima, y rugby, entre otros. Además tenía una habilidad especial para aprender distintos lenguajes, gracias a lo cual habla de manera fluida francés, italiano, español, y alemán, además de hablar algo de sueco, ruso, y griego. La actuación sin duda era una de las cosas que más apasionaba a Lee. Sin embargo, no estaba muy seguro si quería dedicarse a la actuación toda su vida. Viniendo de una familia de nobles, Christopher pensaba que si seguía la carrera de actuación solo le traería vergüenza a su familia. Por ese motivo él conseguiría trabajo como mensajero en una oficina de Londres. Una vez que comenzó la Segunda Guerra Mundial, Lee pasaría cinco años trabajando para la RAF y para la inteligencia británica. En el ejército alcanzaría el rango de teniente, y sería condecorado por sus distinguidos servicios, particularmente durante la Guerra de Invierno donde tuvo que ayudar a contener el ataque de la Unión Soviética a Finlandia.


Una vez que la guerra terminó, Lee no estaba seguro de cual sería su próximo paso. Un día mientras almorzaba en la embajada italiana con su primo Niccolo Carandini, este le preguntó cuales eran sus ambiciones y sus gustos. Cuando Lee le dijo que le interesaba la actuación, su primo le contestó; “la actuación está en la sangre de la familia, viejo amigo”. Fue en ese momento cuando se enteró que sus bisabuelos habían fundado la primera compañía de ópera australiana. Gracias a Carandini, Lee consiguió un contrato por siete años con la Rank Organisation (aunque la verdad solo permaneció dos años en la compañía). La vida como actor no sería fácil, en especial por la altura de Lee que no le permitía conseguir demasiado roles. Su debut cinematográfico sería un pequeño rol en la cinta “Corridos of Mirrors” (1948), el cual también fue el debut del director Terence Young. La cuarta cinta del actor, “Song of Tomorrow” (1948), sería el debut de Terence Fisher, director que posteriormente trabajaría junto a Lee en las cintas que terminaron lanzándolo al estrellato.

Ese mismo año, el actor pasaría su primera gran vergüenza. Mientras filmaba uno de sus primeros trabajos, se enteró que en un estudio vecino estaban filmando “Hamlet” (1948), la cual estaba protagonizada por Laurence Olivier. Afortunadamente para Lee, su viejo amigo Patrick Macnee se encontraba trabajando como extra en dicha producción (también estaba trabajando en dicha cinta Peter Cushing, quien sería su famosa co-estrella algunos años después al interior de la Hammer), quien lo invitó a colarse en el estudio con el fin de observar al legendario Oliver mientras trabajaba. Si mantenía su boca cerrada, Lee tendría la oportunidad de vestirse como soldado para así obtener una vista privilegiada. Todo iba bien hasta que el actor que interpretaba a Claudius gritó, “Dame algo de luz”. A un lado del escenario, y de forma completamente inconsciente, Lee gritó: “¡Luces!”. Una vez que se percató de su error, salió rápidamente del set. Durante los siguientes diez años, Lee aceptó todos los roles que le ofrecieron. Participó en dramas de época como “Captain Horatio Hornblower” (1951) y “Moulin Rouge” (1952); en cintas de aventura como “Innocents in Paris” (1953) y “The Crimson Pirate” (1952); y en algunas cintas bélicas como “Cockleshell Heroes” (1955) y “The Battle of the River Plate” (1956).

Lee, además interpretar pequeños roles, durante un punto de su carrera estuvo a punto de convertirse en cantante. A principios de los cincuenta, mientras se encontraba trabajando en Estocolmo como anunciador de una radio local, él asistió a una fiesta donde acompañado por un piano, comenzó a cantar un poco de ópera. Súbitamente, una poderosa voz se unió a sus cantos (era el legendario cantante Jussi Bjorling). Impresionado por la voz del actor, Bjorling le pidió a Lee que asistiera a la Ópera Sueca al día siguiente para realizar una audición. Aunque él aceptó la invitación, lamentablemente no contaba con los medios suficientes para costear un entrenamiento adecuado, por lo que durante muchos años asistió a sociedades amateurs donde pudo practicar su canto. En 1957 Lee alcanzaría la ansiada fama, a sus 35 años de edad. Irónicamente, el primer papel importante que obtendría el actor sería uno carente de todo diálogo. Junto a Peter Cushing, protagonizaría “Curse of Frankenstein” (1957), del director Terence Fisher, la cual sería la primera de muchas cintas del actor al interior de la famosa productora británica, Hammer Films.

Gracias a este papel, Lee obtuvo quizás el rol más importante de su carrera; el de Drácula en la cinta de Fisher, “Horror of Dracula” (1958). Lee interpretaría a Drácula al interior de la Hammer en varias ocasiones, generalmente acompañado de Peter Cushing, hasta 1974 (también interpretaría el mismo rol para otros directores, como por ejemplo Jesús Franco). Lee interpretaría nuevamente al mítico vampiro en, “Dracula: Prince of Darkness” (1965). El actor, que no quería ser encasillado en el papel, vio como la Hammer virtualmente lo “chantajeaba” para que participara en las siguientes cintas del vampiro, recordándole que serían muchas las personas que quedarían sin trabajo si él no aceptaba dicho rol. Su participación en “Dracula Has Risen from the Grave” (1968), “Taste the Blood of Dracula” (1969), y “Scars of Dracula” (1979), fue bastante reducida, pero de todas formas las cintas resultaron ser éxitos de taquilla. Aunque a Lee no le agradaba demasiado lo que la Hammer estaba haciendo con el icónico personaje, los espectadores alrededor del mundo consideraban estas cintas como verdaderos clásicos del género.

Entre otros de los trabajos que el actor realizó al interior de la Hammer se encuentran; “The Mummy” (1959), “Rasputin, the Mad Monk” (1966), y “The Hound of the Baskervilles” (1959), entre muchos otros. Mientras se encontraba en la Hammer, Lee audicionó para un papel en la cinta bélica, “The Longest Day” (1962), pero fue rechazado debido a que no tenía la apariencia de un militar (pese a que el había servido en la RAF durante la Segunda Guerra Mundial). Por otra parte, el actor sería el responsable de que la casa del martillo adaptara dos novelas del escritor Denis Wheatley; “The Devil Rides Out” (1967) y “To the Devil a Daugther” (1976), ambas protagonizadas por Lee. Esta última tendría pésimos resultados de taquilla, y marcaría el fin de la larga asociación del actor con el estudio. Al igual que Cushing, Lee también apareció en varias cintas de terror producidas por otras compañías entre 1957 y 1977. Entre sus trabajos más destacados se encuentra la saga de cintas de Fu Manchu que filmó entre 1965 y 1969 (cinco en total), “The Creeping Flesh” (1972), “The Wicker Man” (1972), y la serie de películas que filmó para la Amicus, compañía rival de la Hammer. Además participó en la producción británica, “The Private Life of Sherlock Holmes” (1970), del director Billy Wilder, donde interpretó al hermano de Holmes, Mycroft; y en la cinta de Mario Bava, “The Whip and the Body” (1963).

Desde la segunda mitad de los setenta, Lee evitó participar en cintas de terror. En 1962, su primo Ian Fleming le había ofrecido el rol del villano en el primer film oficial de James Bond, “Dr. No” (1962). Entusiasmado por la idea, el actor aceptó el papel, pero los productores terminaron seleccionando al actor Joseph Wiseman. Recién en 1974, Lee obtendría el papel del enemigo de turno de 007 en la cinta, “The Man With the Golden Gun” (1974). En 1977, se mudó a los Estados Unidos junto a su esposa, la pintora danesa Gitte Kroencke, y su hija Christina. En Norteamérica, su primer rol lo obtendría en la cinta “Airport ´77” (1977), donde pasaría bastante tiempo junto a Jack Lemmon. Posteriormente, el director John Carpenter intentaría contratarlo para interpretar al doctor Sam Loomis en la cinta, “Halloween” (1978), pero el actor rechazó la oferta. Más tarde, Lee declararía que una de las cosas de las que más se arrepentía durante su carrera, era no haber aceptado el papel en el film de Carpenter. Ese mismo año, Lee sorprendería a muchas personas cuando accedió a participar en la popular serie de la NBC, “Saturday Night Live”. Al año siguiente, el actor interpretaría al oficial alemán Wolfgang Von Kleinschmitd en el film “1941” (1979), del director Steven Spielberg.

Pese a que lograba conseguir papeles en distintas cintas, ninguno de estos resultó ser demasiado relevante, por lo que lentamente se vio obligado a volver al género del horror. En 1983 protagonizó “The House of Long Shadows”, junto a Vincent Price, Peter Cushing, y John Carradine. Además participó en dos excelentes miniseries tituladas; “The Far Pavilions” (1984) y “Shaka Zulu” (1986), y en la cinta “Gremlins 2” (1990). Durante prácticamente toda la década de los noventa, Lee participó en cintas más bien menores, siendo tal vez la más importante “Sleepy Hollow” (1999), del director Tim Burton (el cual ha declarado públicamente ser un seguidor del actor, y con quien Lee ha continuado trabajando de manera regular). El 2000 comenzaría con la exitosa serie de la BBC, “Gormenghast”. El 2001, el actor obtendría uno de sus roles más importantes de los últimos años; el del mago Saruman en la saga de “El Señor de los Anillos”. Al año siguiente obtendría el papel del Conde Dooku en “Attack of the Clones” (2002), participando de esta forma en dos de las sagas hollywoodenses más importantes de todos los tiempos.

Sir Christopher Lee sigue participando en diferentes cintas hasta el día de hoy. Durante su extensa carrera (que involucra alrededor de 260 películas), el actor ha tenido la posibilidad de interpretar diversos roles, pese a que comúnmente es asociado al género del horror. Profundamente cosmopolita, el actor ha filmado películas en ruso, italiano, francés, español y alemán, y además ha trabajado con directores de la talla de John Huston, Joseph Losey, Billy Wilder, Mario Bava, y Steven Spielberg, entre otros. Lee incluso se dio el lujo de plasmar su pasión por la música, participando en un puñado de bandas sonoras de diversas películas y grabando algunos discos más personales, como el álbum “Revelation”, donde realizó covers de canciones de distintos géneros musicales. Christopher Lee es una verdadera leyenda viviente, cuyo legado ha quedado inmortalizado en las numerosas producciones cinematográficas en las cuales participó y sigue participando.



por Fantomas.
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